夏行者在巴黎

美術館的前哨站 Frieze Art Fair

藝術創作與市場行銷，同時是背道而馳，卻又腹背相依，宛如人性與道德的矛盾與困
境，歷來在許多藝術文學作品中不斷出現的主題，也正是所謂「藝術」所面臨的無解
習題。就像北野武的「阿基里斯與龜」，當藝術家試圖揮灑出心中的視野與理想，也
同時在尋求一個市場的立足地，究竟是在創作還是在向潮流卑躬屈膝點頭哈腰，總是
難以分辨。在冠冕堂皇的理念背後，也同時盼望著自己的「作品」成為炙手可熱的
「商品」，也可以像 Damien Hirst 或 Jeff Koons ，有著如日中天的名氣與嚇得尿褲
子的天價。在倫敦每年就有這麼一個藝術市集聚集全球五大洲的重要畫廊，在這兒試
圖變賣出自己手中最具潛力的新生藝術家與作品。

同步於樂多新文創

從相機在十九世紀面世，到九零年代數位相機的廣泛普及，攝影在百年間經歷了劇烈的變化。現在，數位影像被更多元應用在劇場、舞台、純藝術、商業空間 等，在科技的交互運用下，原本平面的影像，藉由後製、投影、錯置、放射，可以達到重新定義空間與光影互動的效果。當我們挑戰著新技巧的可能性 時，V&A 策畫了「Shadow Catchers 」攝影展，回顧攝影史上突破性的片刻 — 產生影像的方式，不只是拿起相機捲上底片按下快門，還有其他的顯影表現手法。這些跳脫框架的攝影技巧，在今天看來，仍然充滿了新奇與想像力，更激發藝術家 們利用新世紀素材，多方重塑攝影的可能性。

雷電走過一夜相紙：Floris Neusüss 追尋光與影的極致

Floris Neusüss | 《Untitled, Körperfotogramm》 1962 Photo credit：Courtesy of Floris Neusüss

走進 V&A 本季新特展「Shadow Catchers : Camera-Less Photography」，不管你是否熱衷攝影，都忍不住摒氣凝神。在黑幽幽的展場間，一抬頭，看到的不像是照片，而是水墨畫。那是黑白的影像，但可清楚 地看見水波粼動間漂動著一個女子的輪廓，髮絲那麼清晰的凝止，動作那麼富有張力。然而，沒有一個快門開啟關上。Floris Neusüss 出生於

<很久以前寫的舊文，Cildo Meireles 至今仍是我很喜歡的藝術家，分享一下他的作品!!!>

2003 年，Tate Modern 和 Tate Britain 的負責人 Nicholas Serota 以擴展多元文化與國際視野為期許，任用了來自南歐的 Vicente Todoli 為 Tate Modern 的策展總監。這位西班牙人是葡萄牙第一座大型現代美術館 Serralves Museum of Contemporary Art 的創始成員之一，而他在 Tate Modern 上任的五年來，對引進南歐與拉丁美洲的藝術家們不遺餘力，包括了墨西哥的 Damián Ortega，巴西的 Hélio Oiticica，哥倫比亞的 Doris Salcedo。這些藝術家們，長期以來沒有得到西方國家應有的重視，儘管他們作品充滿了獨特的創造力與爆發力。現在正在 Turbine Hall 展出的法國藝術家 Gonzales-Foerster ，也曾在里約熱內盧待過半年。而在四樓，正對著 Rothko 展場，目前展出的是概念藝術家 Cildo Meireles 的作品。



這位來自巴西的藝術家，1948年出生於里約。十五歲時跟著畫家及陶瓷藝術家 Barrenechea 學習，十九歲時進入國家美術學院  Escola Nacional de Belas Artes 就讀。對 Cildo Meireles 來說，藝術是他表達對現實不滿最直接的途徑。當時巴西的媒體業，包括報章雜誌、電視電台，都受軍方控制，左翼藝術家們受到嚴密的監控。在深受壓抑的氣氛下， Meireles 尋求一個可以向廣大社會群眾發聲的管道，而這促成了 Insertions Into Ideological Circuit 計畫的誕生。他將含有政治意涵的標語、宣言印在鈔票上面，藉由付房租、買雜貨等日常消費活動，讓這些紙鈔在市面上流通。藉由「印上宣言」這個行為，原本的消費行為轉化為批判思考的交流活動。

此外，他也在可口可樂玻璃瓶上用和商標相近的顏料，將標語印製上去，再送回回收廠，進行下一次的消毒、裝瓶、配送、販賣。由於顏色、字體相近，消費者往往在喝下飲料時才會發現他們手中的玻璃瓶被人動過了手腳，已不是單純的可樂瓶，而是宣示著諸如「Yankee Go Home! 洋基佬滾回去!」之類政治標語的容器。將消費行為裡的貨物流通轉化為思想意識的傳播，

<已發表於黑秀網>

從 Mercel Duchamp 在上世紀初，將 Readymade 製成品放進畫廊空間開始，在百年間，如何使用現成物和拾得物作為藝術概念表現的素材，已經歷過各種不同階段的發展。在七零年代，使用 readymade 的佼佼者之一，就是如今已年過六十的 Tony Cragg。

在大量消費的時代，消費行為本身和商品所承載的意義都越來越繁複，而使用現成物來作為媒材，運用了商品本身的商業標籤與功能/需求的互動關聯，同時帶出消費者與使用者的身分、背景、購買動機與使用記憶。Tony Cragg 式的現成物藝術，在於講求工整的排列，藉由羅列來啟發物件、生活與外界環境的種種關係。以 1975 年的作品 Stack 為例，將各種日常生活用品層層疊疊的堆積成正方形，物件牽連著生活氣息、觀看者的自身記憶，同時也和地層作連結，暗喻著人類行為決定自然地貌，大環境和科技與工業發展的習習相關。

Schüssel / Bowl, 1981
Tony Cragg 式的現成物藝術，在於講求工整的排列，藉由羅列來啟發物件、生活與外界環境的種種關係。

Fast Particles all kinds of materials on wood, wax, 1995
Tony Cragg 使用現成物來作為媒材，運用了商品本身的商業標籤與功能關聯，同時帶出消費者與使用者的使用記憶。

而後，他將塑膠碎片拼貼於牆上完成個人的肖像畫，其中最著名的便是 1981 年的 Britain Seen from the North。雖然 1949 年出生於英國利物浦，並且在倫敦的 Wimbledon School of Art 與 Royal College of Art 完成學業，同時在 1988 年拿下指標性的透納獎 (Turner Prize)，但其實自 1977 年從 RCA 畢業之後，Cragg 便搬到德國的 Wuppertal 定居。1981 年，正當英國處於經濟與政治的動盪轉捩點時，Cragg 回到英國旅遊，運用當時他常用的各種彩色塑膠碎片來作畫，

<已載於黑秀網>

Céleste Boursier-Mougenot，對於不諳法文的我，光是面對這一長串的名字，就要遲疑個半天。這位迷倒了倫敦人的前衛音樂家，1961 年出生於陽光與海浪交織如畫的尼斯，少年時代 Céleste Boursier-Mougenot 在 Conservatory of Music 接受專業的音樂訓練，在 1985 - 1994 年間他擔任 Pascal Rambert theatre company 擔任編曲家。然而，現在他的指尖所撥弄的並不是琴絃，而是日常生活中多樣發聲的可能性；在擔任作曲家的期間，促使他實驗各種器材，改變我們對音樂與樂器的既定印象。

Sketch I

工廠空間是城市地貌裡獨樹一幟的景觀。隨著商業活動的興起，工廠代表了上一代的奮鬥與沒落，人類活動與生活形態的改變。同時之間，它們完全針對功能性的考量，又呼應著二十世紀初的設計美學。台北有華山、建國酒廠和松山菸廠，都是將工廠空間有效轉換再利用的例子。而 Tate Modern 的改造，更是讓這座才成立十年的現代美術館，成為倫敦最多參觀人次的美術館。

離倫敦地標塔橋不遠的碼頭區，在戰前原為一整排重要商港，後方則是各式各樣的工廠、作坊及商業區。然而 1940 至 1941 年間的倫敦大轟炸，對泰晤士河南北岸都造成嚴重的破壞。經過一系列的戰後重建，

<已載於黑秀>

看到台大洞洞館的告別演出，不禁再次心生感慨。難道在時代變遷中，地狹人稠、看似先天不利的台灣，老房子宛如螳臂當車，除了被拆除、沒有第二條路可走?? 讓我們看看都市人口已突破 840 萬大關的倫敦，老房子的妙用有什麼?

1901 Arts Club

沙龍曾經在歐洲的文化發展上扮演重要的角色。談古論今、品文評藝，

<已刊載於黑秀>

共榮設計成立不過短短數年的時間，不只在日本建立名聲，在歐美和台灣也受到眾人矚目。一系列以白色為主、純淨的燈具，不時透露出令人會心一笑的巧思，是他們的註冊商標。這一切，都來自一位年紀輕輕的設計師 Kouichi Okamoto 岡本光市。

一九七○年出生於日本靜岡的岡本，很早就和「燈」結下不解之緣。

<已載於黑秀>

在你心中，一家飯店代表了什麼？可能是一場旅程，或是點綴平凡生活的一點奢華享受；是旅程中收留倦意的歇腳處，或者是新冒險的起點。收納著來來往往的旅人與行李，也梳整了許多人的疲憊與歸程，容納著記憶與時間。飯店有別於室外來往的城市脈動，似乎是獨自存在的宇宙。

Claridge's 位於倫敦市中心 Bond Street

位於倫敦市中心 Mayfair 的 Bond Street，旁邊的 New Bond Street 就是世界精品的聚集地，Claridge's 在此佇立看過百年風華，將在 2012 年慶賀它的兩百歲生日。

<已載於黑秀網>

如果你喜歡遊走於一張張匠心獨具的椅子間，仔細檢視書架與桌子的作工，鍋碗瓢盆對你來說，不只是煮飯的工具，而承載著生活的美感，那麼來到英國，就一定要去逛逛 Heal's 這家歷史悠久享富盛名的家飾用品店。

你可能想像不到，如今廣納百川、以經銷為主的 Heal's，是一家歷經喬治國王、威廉國王、維多莉亞女王的家具商。兩百年前，John Harris Heal 成立以床架製造為主的家族企業，而在他兒子接任後短短的數年間，便讓 Heal's 成為床具業中的佼佼者。頗具經商頭腦的 John Harris Heal 二世，也開下廣告業的先例，在狄更斯的出版小說中，安插其公司的廣告頁面，是當時的創舉。不只如此，隨著成功而來的，是營業項目的擴展，從專門製造床具，擴展到各種臥房家具。

不過，Heal's 在家飾設計界的地位必須歸功於第四代接掌人 Ambrose Heal。

<已刊載於藝術收藏與設計>

設計始於一場無聊， Ron Arad 在展覽一開始的影片中，就用他獨特低沉黏糊的聲音溫和地這麼說。世界沒有設計也不會崩垮，但設計讓生活多了色彩的渲染，多了微笑的可能，多了驚艷的角度。也因此，娛樂性和話題性都是令他讓人難忘的鎂光燈。雖然他的作品近年在紐約及巴黎等地都有展出，這次在倫敦 Barbican 的展覽是他在英國第一次的個人紀年展，作品涵蓋得非常完整和全面，而互動區也讓買不起定製傢俱的普羅大眾如你我，恣意享受大師級的創意。這些造型獨特的椅子，不只是擄獲你的眼，也必定討好著你的身體。

展覽分為兩部分，樓上一間間的展示間，呈現 Ron Arad 不同主題的作品。一開始的 「Scavenging 」，展出的是 Ron Arad 在八○年代所作的椅子。受到 Marcel Duchamp 的影響，Ron  Arad 在廢棄汽車處理廠，從廢車中搬走皮革座椅，再將它們安置在特製的鋼架以建築用的鷹架螺旋固定，就是一張復古味中又帶頹廢感的扶手椅。將 readymade 重新拆解、轉換、賦予新的意義與功能，這樣的精神在此時期的其他作品，如 Concrete Stereo 等隨處可見。Concrete Stereo 宛如一件藝術品，水泥中裸露的鋼架讓人聯想到 Anselm Kiefer 的 Jericho 高塔，細節包覆在粗獷頹敗的人類文明之內。

<<載於黑秀網>>

對當代藝術或是織品設計有興趣的人，對 Yinka Shonibare 想必不陌生。在二零零四年，他是 Turner Prize 的候選人，在二零零七年台灣的 Fashion Accidentally 也曾展出過他不管對藝術或時尚都具啟發性的作品，他近年來在歐美各地的展出，也不斷引起各界的重視。而在今年中，他的作品 Nelson’s Ship 將登上 Trafalgar Square 的第四基座，繼承在國家藝廊前宣揚英國當代藝術的傳統。

2010 年，名為 Nelson’s Ship 的作品將登上 Trafalgar Square 的第四基座

本文已刊載於藝術收藏與設計

Anselm Kiefer的展覽，已成為倫敦每年都讓人期待的盛事，其 作品除了每年在White Cube展出，也經常佔據 V & A (Victoria and Albert Museum)、RA (Royal Academy of Arts)、Tate的展場。有人說，在這個藝術越來越商品化、服膺於市場喜好的運作之下，Anselm Kiefer是現今少見的「嚴肅藝術家」，他的作品的始點，總是許多人不願正視的主題：歷史，集體記憶，傷痛。

這一切，都和Anselm Kiefer的背景習習相關。出生於1945年，正 是二次大戰結束的那一年，也是他的祖國德國成為戰敗國的一年。在希特勒納粹統治期間，文化、藝術、思想的活動都受到嚴重壓迫，因此當 大戰結束，德國人面對的不只是戰敗的恥辱、經濟的挫敗，同時還有藝文上的落後。國家內部的不安，加上國際間深恐納粹主義的餘毒復燃， 造成德國人在戰後十年間，一直對納粹歷史抱持逃避與刻意遺忘的態度。當時的藝術家們，急於認識與擁抱在戰爭期間新興於其他國家的抽象 主義。抽象主義之所以成為戰後德國藝術圈的潮流，是因為不合納粹品味，於是戰後英法美等佔領國有意識地重振抽象主義在德國的地位。而 人們心中的不安、對國家自我認同的質疑，則促進了存在主義思潮的發展，強調個人意識、探討生存本質，迴避歷史、社會等大環境相關議 題。急於發展的熱切與對過去的隱晦壓抑，造就了社會上充滿矛盾的氣氛。

本文已刊載於 藝術收藏與設計

位在倫敦Chelsea區的 Saatchi Gallery，一直是散步的好去處。2008 年遷址到國王路上的約克公爵軍團總部，即被譽為倫敦最美的藝廊空間之一。本體建築由 John Sanders 設計建於1801 年，經過重新整建後，淺色的木地板、白牆和高闊的窗欞，組成了十五間大小相似的展室。館前的操場，更增添了幾分氣派。一直是當代與前衛藝術重鎮，在藝術拍賣公司 Phillips de Pury & Company 的贊助下，全館免費開放，而且也開放民眾拍照，每次來此，總是遇上各種不同學齡的孩子和少年少女，在老師的帶領下，自由地流連於展場間，是老少認識當代藝術的好所在。

2010 年一開始，當樓下「抽象美國」的展覽還沒結束，頂樓展出為期短短一個月的 Franks Suss Collection 。為了讓民眾多一點接觸私人收藏品的機會，Philip de Pury 舉辦了一系列在收藏家的協力之下，將個人收藏公開展示的展覽。此次由 Tamar Arnon 和 Eli Zagury 策畫，挑選來自 Simon Franks 和 Rob Suss 兩位收藏家的數十件作品展出。其中囊括來自歐美亞非各地的二十位藝術家，而最為人所注意的，是此次強調對堀起中藝術家的重視，並展出了許多中國及日本藝術家的作品。

一走進展室，就有一件鮮紅色半人高的群像雕塑吸引住眾人的目光。

本文已刊載於藝術收藏+設計雜誌。

皇家藝術學院今年破天窗地開辦了 Anish Kapoor 的個人展，雖然 Kapoor 具有如日中天的聲望，然而皇家學院從未舉辦過在世藝術家的個人展。1988 年的 Henry Moore，原本有希望得到此一殊榮，卻被命運捉弄，在他的個展開幕前便過世了。也因此，這場展覽從上半年宣布開始，就讓眾人引頸期盼。

全文已刊載於黑秀網，特約作者：蕭永明、洪夏天，如需轉載請註明出處。


建築是現代城市最重要、最直接的風景，也是每天我們生活的場域。倫敦每年九月初的一大盛事，就是 Open House，開放參觀日。在短短的一個周末裡，有超過七百座建築開放民眾參觀。其中包括議會大廈、外交部(加拿大及印度事務部)、市長宅邸、皇家法院等歷史悠久的時代建築，還有 Norman Foster (Erotic Gherkin ) 和 Richard Rogers (Lloyd’s of London 、Maggie’s Centre) 等當代建築界大師所做的地標性建築，以及平時十分隱秘的個人私宅。這些並不只是開放參觀，並且有印製的相關資訊及專人導覽，整個城市剎時間變成巨大的遊樂園，讓每日身處其中卻不得其門而入的民眾們一窺大門背後的神祕世界。

一、The Berresford House

建築師 Ivor Berresford 的私宅，是愛好極簡建築者的樂園。如果你喜歡充滿開放感的空間，注重光與影的影響，這棟 Berresford House 將是你的朝聖地。

全文已刊載於黑秀設計，轉載請註明出處

今年夏季走在泰晤士河畔的南岸藝文中心，一定會被高大行道樹的變身所吸引：樹幹上仔細地包覆著紅底白色圓點，遠遠看就像一株株來自童話世界的毒蘑菇，這是日本藝術家 Yayoi Kusama 舉世知名的特色，她獨特的普普藝術不但在藝文界大紅大紫，也被商業界所相中，她的作品被應用在一系列的文具、生活用品、手機設計上。宛如巨大蘑菇的路樹，正歡迎著來往的行人走入 Hayward Gallery 的夏季展「 Walking in My Mind」，邀請著你一起走入藝術家充滿想像力的內心世界。

此次展出，囊括了十名藝術家，也許因為和 Hayward Gallery 的總監 Stephanie Rosenthal合作的策展人是Mami Kataoka (東京森美術館的總策展人），在十名藝術家裡面有三位是日本人。包括在台灣大家非常熟知的 Yoshitomo Nara 奈良美智和 Yayoi Kusama 草間彌生 ，還有台灣比較少討論，但可說是本次展覽中的珍寶 Chiharu Shiota 塩田千春。另外七位來自歐洲、英國及美洲。有最近幾年在倫敦和愛丁堡都有個展，前陣子 Tate Britain ”Altermodern"也有展出的Charles Avery, 在巴黎長居的瑞士藝術家Thomas Hirschhorn, 瑞典藝術家 Bo Christian Larsson, 來自荷蘭的 Mark Manders, 深受 Paul McCarthy 影響的 Jason Rhoades,拿到第二屆米羅獎的瑞士藝術家 Pipilotti Rist 和 2002 年 Turner Prize 得主 Keith Tyson。

雖然名單一路看下來，讓人萬分期待；實際走訪的結果，卻是難掩失落之情。

展覽的首件作品是奈良美智在每次展覽中必會搭建的小木屋，

全文已刊載於黑秀設計，撰文者：洪夏天，轉載請註明出處

每個人一生中總是有幾次這樣的經驗：深陷於噩夢之中，即使有意識到一切都是夢境，仍然掙扎著無法醒覺脫離。在許多現實生活的時刻，出乎意料的異變與打擊也常讓人一時陷入手足無措的境地。在意識的中心，還有許多難以解釋的恐懼幽暗角落在散著燐光。塩田千春的作品，總是將這些闇黑魅影極致地表現出來，在亮晃晃的白日裡如墜虛空。

本文已刊載於 Art Collection & Design，轉載請註明出處

被稱作俗艷王子的 Jeff Koons，是將藝術商品化的佼佼者。擅於運用鮮明的色彩，與商品仿製，Koons 的主題和 mass production 及消費生活總是習習相關，而他也謹守藝術品「作大」的原則，他的作品總是引人駐足的吸睛焦點。如今，他擁有的不只是知名度，更是龐大的財富：他的作品每每在拍賣場上創下驚人天價，以百萬美元為單位出售。究竟他是個藝術家還是商人，是舉著藝術大旗而坐擁金山的唐納川普，還是備受各界肯定與關愛的畢卡索，評論家各執己見，然而他在藝術品界的地位舉足輕重已不可否認。

要如何跟台灣朋友解釋 What is Burlesque? 一直讓我感到有點困擾。